艺术家的故事

发表时间：2026-04-18

艺术家的故事(经典十五篇)。

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由于1975—1980年出生的艺术家进入市场相对较早，市场认可度相对较高，并且大部分艺术家已进入市场发力期。在历年艺术家作品拍卖总额超1000万元的9位艺术家中，仅有高瑀1人为80后；500万至1000万元之间的5位艺术家中，80后艺术家也占有1席。

作为成交量、成交总额，还是高价作品上均占有一定的优势。作品自2005年5月15日进入拍卖市场以来，上拍量已有220件，成交184件，总成交额达4021.57万元，占历年艺术家拍卖总额TOP20首位，其创作于2006年的《陆上行舟》于2011年6月2日在北京保利以115万元成交。

“卡通一代”的代表艺术家陈可，2005年进入了拍卖市场。截至今年6月30日，陈可作品上拍97件，成交86件，总成交额为3113.74万元，在艺术家总成交额TOP20中位居第二。其中创作于2006年的《蜗牛的家》以158万港元成交，位居目前艺术家作品拍卖首位。

出生于1975年的韦嘉，1999年毕业于中央美术学院版画系，2005年进入拍卖市场，截至目前，其作品共上拍128件，成交114件，总成交额为3065.36万元，位居拍卖总额TOP20第三。其作品《刺菁II》以207.20万元在艺术家高价拍品TOP20中位居第五。

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这几天拜读了卡夫卡的这篇《饥饿艺术家》，在短短五千余字的文字里，用奇异的笔调讲述了一个荒诞不羁但又充满现实意味的故事：饥饿艺术家以表演饥饿为生，并以这样的表演招徕大批观众。渐渐他对自己的表演产生了荣誉感，从没有自觉自愿离开过兽笼，还为别人不给他机会成为“空前伟大的饥饿艺术家”而深感苦恼。

可随着时代的变迁，曾备受观众喝彩的饥饿艺术家逐渐被人们抛弃了，观众不再对所谓的“饥饿艺术”感兴趣。他只好“屈尊”加入一个马戏团，他的表演也成了一个次要节目，马戏团的观众对黑豹更感兴趣。而他却被人们遗忘了，最后用烂草静静地埋葬了。

令我震惊的是，饥饿艺术家临死前的表白。他只能挨饿是因为“找不到适合自己胃口的食物，假如能找到适合的食物，请相信，我不会这样惊动视听，并象你和大家一样，吃得饱饱的。”

这句话曾经让我哭泣，对饥饿艺术家的感情变得更加复杂。这不再是一种单纯的同情，而是一种无助和崇敬的感觉。这位饥饿的艺术家临死前告诉人们，他不吃东西是因为找不到适合自己口味的食物。原来，艺术家不是因为追求艺术才真正吃饭，而是因为他们不能。

原来，艺术家不是那么神圣的人，也不是为了艺术而不想要生命的人。但是转过身来冷静地想一想，是不是每个人都有可能因为没有合适的食物而一直挨饿？当然不是。大多数人做不到。也许这就是我崇敬艺术家的地方。

文章里有这样的一句话“这是他最后的几句话，但在他那瞳孔已经扩散的眼睛里，流露着虽然不再是骄傲，却仍然坚定的信念：他要继续饿下去。”我想，饥饿艺术家不再骄傲是因为自己没有合适食物的无奈，而仍然坚定就是自己对艺术的坚持和追求了。

美国文艺理论家r·w·斯托尔曼从三个不同的层次来理解其中的含义：社会学的、宗教的和形而上学的。首先“绝食艺人在笼中的困境代表了艺术家在现代世界中的困境：

与生活在其中的社会格格不入。从这个角度来阅读，《饥饿艺术家》是一个社会的寓言。用社会学的术语来表示，就是艺术家和社会的分离”。

从宗教的角度看，“我们也可以把绝食艺人看作一个神秘主义的代表者，一个圣人，或者一个神父。故事便以历史的观点讽喻了宗教的困境。在宗教上，它是神与人的分离，是灵与肉的分离。

”从形而上学的角度看，“绝食艺人代表精神，作为精神存在的人，豹相应地代表物质，人的动物性。从形而上学的角度来说，它是精神和物质的分离。”

从这三个层面对作品的理解来看，饥饿的艺术家似乎还隐含着创作者的三种身份：卡夫卡作为现代人、犹太人和艺术家。犹太人对民族宗教的虔诚、现代人对发达工业社会的赞美和艺术家对自我实现的推崇在卡夫卡身上不再凸显，取而代之的，是拥有着三种身份的卡夫卡对自我身份与作为普世的人的生存状况的痛苦思索和不懈追问。长期以来，一个流行的故事让人们相信，饥饿的艺术家是卡夫卡在其作品中的映射：

死前一个月，卡夫卡一直在病床上努力校对这篇文章，读完后，他泪流满面。艺术家的悲剧经历似乎象征着卡夫卡面对现实中严峻的社会压力而不断的隐匿。但透过泪水，我们可以读到更多卡夫卡对人类社会不可调和的二元对立的悖叹，以及他陷入现代社会悖论陷阱的悖哀。

《饥饿艺术家》是卡夫卡极少数自己满意出版的**。在我看来就是卡夫卡自己的投影。饥饿艺术家一生的表演都没有得到过观众的肯定与赞赏，即使他曾得到过极高的声誉，观众给予他的也不是由衷的肯定。

甚至惊叹于他是怎么在不为人知的情况下进食的。他对艺术的偏执使他坚持到最后，谱写了一段悲凉的艺术人生。

饥饿艺术家的一生是可悲的，对于自己的艺术他一直都在寻求观众的肯定与赞赏，而却到死都没有得到。饥饿艺术家的职业荣誉让他即使饿死也不吃东西，但观众无法理解这种所谓的艺术。观众认为，作为一个正常人，它不能做这样的事情。因此，即使饥饿的艺术家试图让人们监督自己，向他们展视自己的超能力，他们无论如何也无法的到人们的肯定。

人们跟着时下的潮流之风每天都要去看一次饥饿艺术家的表演，没有任何理由，只是赶个时髦罢了。人们对饥饿艺术家的赞赏也是对饥饿艺术家行为的一种曲解，或许在观众看来，饥饿艺术家之所以应该被赞赏并不是因为他能在不进食的情况下依然能延续生命，而是惊叹于艺术家居然可以在众目睽睽之下偷偷进食，并没有人真正理解饥饿的艺术，因此，即使艺术家曾经名声大振，他也是可悲的，因为他的艺术实际上是被观众亵渎了。而后期饥饿艺术家来到了杂技团以后，更是得到了惨不忍睹的待遇，他已经完全不能勾起人们的兴趣了，即使他自称自己的技艺完全不减当年，但是他依旧只能是人们去观赏野兽是被带过一眼的角色，直到他要死的时候依旧没有人理解他的艺术。

饥饿艺术家的另一个悲哀之处是，他们对艺术的追求从未得到满足。饥饿艺术家永远都觉得自己可以坚持更长的时间，然而一旦到了四十天的时候他就不得不被经理硬生生的拖出来，吃令他恶心的食物。然而经理这一决定的理由是四十天之内人们可以被各种广告吸引而来，然而四十天之后，人们就会疲乏，表演场就会门庭冷落。

因此，为了满足观众的需求，艺术家不得不牺牲自己对艺术的追求，所以他永远不会满足。

卡夫卡的**一直是学术研究和讨论的焦点。无论是现实主义文学批评家、现代派理论批评家还是现代先锋派后现代主义理论家，都能从他的作品中找到许多支持他的理论的因素。由此，我可以深刻地认识到他的**有着独特的魅力，这不仅源于卡夫卡对人性和世界的洞察，也源于他的**风格和形式。

《饥饿艺术家》最为完美地展示了卡夫卡**的写作技艺：一种不断翻转、在众多可能性之间不断滑动和制造反讽的艺术。

《饥饿艺术家》就是这样一篇“卡夫卡式”的**，它像卡夫卡抛出的一枚至今没有停稳的骰子，让我们目眩神迷。而答案始终悬而未决，让读者无尽想象。我想在学习上，我们也需要有这样一种求知欲，并且一步步专注于自己的行业，这样才能让世界变得卓越。

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一位画家，擅长做减法。他是毕加索。

毕加索一生酷爱画牛。年轻时，他画的牛就已经栩栩如生，跃然纸上。曾有一次，毕加索在田间画牛，一头黄牛也正在田头吃草。牛瞥见画中之牛，瞪大眼睛，盯了片刻之后，竟然落荒而逃。从此，毕加索被人称之为牛人。后来，毕加索画的牛越来越简练，筋骨凸显、笔笔精湛。到了老年时，毕加索画的牛只有寥寥数笔，把皮毛血肉全都减去了，只剩一副骨架。

正是这些只有骨架的牛，成了毕加索的巅峰之作。毕加索说，他的成功来自于减法。有一位企业家，也擅长做减法。他是乔布斯。

1997年，乔布斯在阔别12年后重返苹果公司之时，苹果公司正陷入严重危机。乔布斯召集高管开会，问道：“跟我说说这个地方到底出了什么问题?”还没等人回答，他突然嚷道，“问题就出在产品上，苹果的产品太多了。”他认为，是苹果的产品线太长，精力过于分散，才导致做不出一款精品。于是，乔布斯毅然砍掉了苹果公司的大部分项目，包括成就了苹果公司上一个辉煌的牛顿掌上电脑。而减去了这些项目之后，苹果公司专注于做手机，打败了一个又一个对手，塑造了今天的行业领袖地位。

正是专注于一个领域，成就了苹果公司的今天。乔布斯也说，他的成功来自于减法。

有一位总统，同样擅长做减法。他是里根。

里根上任之初，美国正是经济危机之时，生产停滞、物价上涨、财政收入锐减，可谓内外交困。没有人想到，里根出的第一招竟然是降税，第二招是减少政府审批项目，第三招是削减政府职能。在一个看似需要用加法来加强管理的时候，里根却用减法激发了市场活力，从此，美国经济进入了新一轮的腾飞。

正是少管了一些不该管的事，才使美国走出了危机。同样，里根的成功来自于减法。

如果人生是加法，匆匆的脚步就会难以停歇，到头来只能让身体劳顿疲惫，心灵背上沉重负担。如果人生是减法，减缓脚步，松弛神经，将牵绊自己的移开，将压力放下，将心中的忧虑倾出，成功就在蓦然回首处。所以，成功人士多用减法。

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我的爷爷今年已经70多岁了，可是，年老的他，却长着一双勤劳而又灵巧的双手。-

不管是春是夏，是秋是冬，只要你来到我爷爷家的阳台，你说不定会恋恋不舍呢！你看，阳台上都是爷爷用木头做成的架子，架子上摆的都是爷爷做的长方形的木头花盆，盆子里装的还都是爷爷种的菜。有西红柿、生菜、香菜……五彩缤纷，冬天的时候，爷爷还给它们盖上棉被呢！爷爷真是心灵手巧。-

如果你在我还上幼儿园的时候去过我爷爷家，你一定会叹为观止。那里简直就是一个儿童乐园，大卧室的床的上空，有一个用线绳做成的吊床，这个吊床是爷爷为我做的，就连做吊床的线绳，都是爷爷自己编的呢！为了不让我硌着，爷爷还在吊床上铺了一个小小的棉被。床前，有一个爷爷给我做的秋千，秋千上还设计了一个安全带，可安全哩！床的左侧，还有一个木制的滑梯，也是爷爷亲手做的。现在，我长大了，秋千、滑梯和吊床都变小了，可爷爷还把它们保存着呢！爷爷看见我的床紧挨着墙，怕我晚上睡觉着凉，就把木滑梯拆了，包上海绵和柔软的棉布，做成了一个软包装的墙围子，立在我的床边。这回，晚上睡觉可舒服了，再也不用怕睡觉挨着墙了。-

爷爷的手真灵巧，能为我做出那么多需要的东西。你说，我的爷爷是不是像个艺术家呢？-

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他是一个画家，近乎完美的画家，在公园里免费为人们素描已有两年了。他给忧愁的人带走了烦恼，但那些烦恼仿佛又会萃在他身上，他脸上的阴霾越发得重了，他似乎一个烦恼回收站，把他人的烦恼回收，给他人快乐，而自己却又那么沉重。

这是“一二。九”小品比赛中的一个场景，一位白血病画家无私的身影深深印在我的心中。他活泼，但眉宇间带着一丝惆怅。他画技高超，却被病魔缠身。

也许是因了中国的古话“善有善报，恶有恶报”吧，小品最后美术学院全体师生为他捐款医治白血病。

固然这个小品短暂，但是人生的宗旨就在其中。糊口，是需要乐观，只有乐观，才可以化努力为动力，才可以冲向成功。

纵观整所有的小品，《宋哲元》这小品带给我的是革命战士的刚毅。它是一炉热气腾腾的铁水，冷却后，是坚硬的'钢。

抗日时期，日本人原认为可以一年不到消灭中国人，可是打了8年，却还没打下，只得俯首称臣。这一点是日本人不熟悉的，在有共同敌人的情况下，中国人的气力不可忽视。

我们的舞台虽小，却束缚不了我们浓浓的爱国情。“一二。九”的表演别开生面，是校园中的一道耀眼的风景。

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读罗曼·罗兰所著的《米开朗琪罗传》，和达·芬奇、拉斐尔并称为“文艺复兴三杰”的艺术巨匠米开朗琪罗，命运悲惨，终其一生，只有不停息的工作和痛苦。1539年，他已是64岁的老人，仍然在他自己27年前完成的《创世纪》天顶壁画下，绘制《末日审判》。一次，他从脚手架上摔下来，腿部受了重伤，“又是痛楚又是愤怒，他不愿让任何医生诊治”。好在他的一位住在佛罗伦萨的医生朋友哀怜他，有一天叩他的房门，没人应，便进去挨个房间找寻，终于找到米开朗琪罗卧床的房间。医生留下来护理他，直到他痊愈才离开。

传说中的一个细节让我印象格外深刻，说的是：有一次，教皇保罗三世去看米开朗琪罗作画，他的司礼长切塞纳陪同着他，教皇向切塞纳征询他对作品的意见，个性迂腐的切塞纳宣称，在这样庄严的场所，画上那么多有“猥亵”之嫌的裸体，是对神的大不敬。他的“崇论宏议”让在场的米开朗琪罗十分愤慨。教皇一行离开以后，米开朗琪罗凭记忆，把切塞纳的肖像画在地狱里，画成判官米诺斯的形象，在恶魔群中被毒蛇缠住了腿。切塞纳知道以后，到教皇面前去告状。保罗三世和他开玩笑说：“如果米开朗琪罗把你放在监狱中，我还可设法救你出来；但他把你放在地狱里，那我就无能为力了。”

《末日审判》［意］米开朗琪罗

这就是艺术家的特权。艺术之外，他可以卑贱、贫穷、生病，忍受诸般不幸和不公。然而，他自有领地，在特定领域里，他是至高无上、为所欲为的王。米开朗琪罗把头脑僵化的司礼长的形象搬进自己的画，不过是兴之所至的小小作弄。大画家借此发泄怒气，我们却从中感受到无穷的幽默。

王鼎钧先生说：“我已知道有酬世的文学、传世的文学。酬世的文章在手在口，传世的文章在心在魂，作家必须有酬世之量、传世之志。”作家如此，那么其他人呢？从正向看，有钱人助学，投入慈善事业的出发点也许五花八门，但“在人间留下好名声”这一条，也成为客观事实。从反向看呢？其实连内心黑暗的枭雄，也不希望遗臭万年。

在这方面，艺术家可说是得天独厚，他们之中的杰出者，一如其他行业的领袖、巨擘，以各自的成就、著述，不可能被颓废者以“不如生前一樽酒”的说辞抹杀，他们以其呕心沥血的创造，对抗无情的时间的侵蚀与功利主义的吞噬，最终成为被世世代代仰望的皑皑雪峰。从“不被遗忘”的角度看，被米开朗琪罗画进画里的司礼长，与其说是被辱，不如说是被抬举。在同时代的人早已湮灭无闻的数百年后，他依然能成为有趣的话题。这样的殊遇，让人不由莞尔。

不过，我们不能忘记，伟大艺术家如米开朗琪罗，他的特权是怎样得来的。“我为了工作而筋疲力尽，从来没有一个人像我这样工作过。我除了夜以继日地工作外，什么都不想。”这是他的自白。

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蔡宝军从小受父亲著名皮影戏领班蔡世超的影响，钟情于皮影艺术的研究与创作，他经常观察研究父亲表演用的皮影，对其设计特点和雕刻工艺进行深入细致的分析研究，结合表演实践和人们审美情趣的变化，对传统皮影进行了朋胆的.改造和发展，使其更易表现戏剧人物的性格和特征，同时适应现代观众的欣赏喜好。由于他设计雕刻皮影能与时俱进，既保持传统皮影的艺术特色，又有创新和发展，所以深受广大观众和皮影表演艺人的称赞和喜爱，许多皮影演出班社请他雕刻制作皮影。多年来雕刻皮影数千件，尤其是“四大美人”皮影作品广为观众所称颂，国内外市场畅销不衰。蔡宝军设计和雕刻皮影作品，追求艺术真实和时尚，把对生活中真善的感悟融注到皮影这种古老的民间艺术中去，他雕刻的皮影，古朴中厚蕴俏丽，粗犷中饱涵柔美。同样的古代美女形象，经他的刻刀雕琢，便显出独特的气韵，俊俏中可见雍荣大度，纤美中显露幽雅风采。他雕刻的影人，整体形象把握得极好，艺术夸张更突现出人物性格的特征，但不温不火，给人以无穷的艺术享受。他雕刻的影人，站起来前不过挺，后不肯锅。武士威武强悍，精神饱满；小旦亭亭玉立，婀娜多姿；小生风流倜傥，少年英俊；老生慷慨豁达，饱经沧桑。作品刀工洗练，线条流畅，设计繁简得当，用色富丽华贵，件件都是精美的艺术珍品。其作品2001年荣获宝鸡县“世纪之春”民间艺术作品展一等奖，2003年荣获宝鸡市民间工艺美术展演活动三等奖，2004年获宝鸡市民间工艺美术创作金奖，2006年获宝鸡市陈仓区庆三八“信合杯”民间工艺美术作品特别奖。

蔡宝军的作品在国内外艺术市场上十分畅销。许多艺术博物馆和知名人士以收藏蔡宝军皮影作品为幸事。

在陕西关中西府陈仓地区，蔡世超领衔的皮影戏班也是非常著名的。他多才多艺，能拉会唱，尤其秦腔板胡拉得精妙绝伦，被同行一致称道。他所领导的皮影戏班社名播三秦，誉满西北，是西北民间艺术中的一枝艳丽奇葩。

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邵大亨，清代嘉道年间宜兴上岸人，生卒年不详，约在1831-1874年。

邵大亨是近代紫砂大师顾景舟最为推崇的紫砂历史名家，并多次对其作品发出由衷的赞叹。邵大亨壮年就辞世，传世作品寥寥，但多为精品，主要有“龙头一捆竹”，“掇只壶”，“仿古壶”，“鱼华龙壶”等，无不精美绝伦，堪称传世之作。

邵大亨性情孤僻清高，非值其困乏之时，一壶千金亦不可得。民间传说，他是个麻子，从不随波逐流依附权势。对人生的严谨态度，铸就了邵大亨其人其艺，近代工艺美术大师顾景舟对其十分推崇，认为清嘉，道以后五百年中，无有超过者。

邵大亨作品技艺已臻完美，大有“前不见古人，后不见来者”之气概，因为对于他的传器的辨识就不难了。细观邵大亨之作，真可谓增一厘则胖，去一厘则瘦，所有部件搭配，都显示出饱满的精气神来，后世即有仿制也难以达到他的那种气韵。凡大亨壶一入眼，便给人以大度不凡的感觉，形如其名，确为“大亨”也！

清代紫砂名家--陈曼生

代表作：蔓生十八式

陈曼生，本名陈鸿寿（，清浙江钱塘(今余杭)人，名鸿寿，字子恭，号曼生，一号种榆道人，曼公，曼龚，夹谷亭长，胥溪渔隐等，擅长古文辞，精于雕琢，以书法篆刻成名，其文学、书画、篆刻样样精通，才气过人。。

嘉庆二十一年(高爽泉、郭频迦、查梅史等代书和代刻，凡此均署双款，即除有曼生款外，并有频迦等款。著有《种榆仙馆集》《桑连理馆集》等。

自幼钟爱紫砂壶的曼生，一见到那温雅古朴的紫砂壶，他就怦然心动、爱不释手。经常是在暮色苍茫时分，避开了官场上那种对等的接风应酬，钻进窑头小屋，与一帮身份不符的人在一起喝酒品茶，交流玩壶与制壶心得，其实，在那样漫长的寒夜，曼生捧一把暖心慰怀的紫砂老壶，伴着纯香馥郁的茗茶，天高海阔、品壶论艺；却常常在内心深处苦苦思念着心爱的人。自古茶不离壶，壶则以紫砂为上，醒诗魂，解酒困；添画韵，增书香。这些都是茶与壶赐给中国文人的独特抚慰。曼生这一时期的书画作品，都透着一股凄凉与沧桑，或许也正是他内心的伤感无法排解的一种表达。

陈曼生不爱金银而痴迷紫砂，说到底不仅仅是在壶中寻求某种精神与情感寄托，而是释放自己的才情与感悟。才能得以使曼生壶充满了情感与灵气，一把小小的壶里，融会了儒、道、佛家思想的精华，融进了陈曼生一生的情感与文采。然天佑其灵，亦或曼生本就因紫砂而生，亦或紫砂因曼生而来，谁是谁非，我佛无说，也就是在陈曼生做溧阳县令的时候，因喜好紫砂壶而结识了当时制壶高手杨彭年，二人相谈甚欢，一见如故，或许是巧合，陪伴着曼生度过无数漫漫长夜的小紫砂壶竟然就是彭年所制。（此传说之三）从而也更加使得曼生对于松梅的思念更加深切，而紫砂壶成为曼生借物抒怀以解情思之苦闷之最爱，因而或许真是命运的安排，让曼生融入多种情感于紫砂壶，从而设计创造出有鲜活生命的千古佳作——文人曼生壶，从而让陈曼生成为万人仰慕的古今紫砂第一人——壶之尊圣陈曼生。

杨彭年-清代陶艺家

杨彭年，字二泉，号大鹏，清嘉庆、道光年间（制宜兴紫砂壶名艺人，浙江省桐乡人。善制茗壶，有的浑朴雅致，有的精巧玲珑，且善配泥色。首创捏嘴不用模子和掇暗嘴之工艺，虽随意制成，亦有天然之致，世称“彭年壶”，对后世影响颇大。

清嘉庆年间制砂壶名艺人，生卒不详。荆溪人，一说浙江桐乡人，弟宝年、妹凤年，均为当时制壶名艺人，善于配泥，所制茗壶，玉色晶莹，气韵温雅，浑朴玲珑，具天然之趣，艺林视为珍品，当时常为溧阳知县陈鸿寿制作《曼生壶》，历来为鉴赏家所珍爱，现有《钟式壶》藏于上海博物馆。

他善制茗壶，浑朴雅致，首创捏嘴不用模子和掇暗嘴之工艺，虽随意制成，亦有天然之致，他善铭刻、工隶书，追求金石味。

陈鸣远-清代陶艺家

陈鸣远字鸣远，号鹤峰，又号石霞山人，壶隐，清康熙年间宜兴紫砂名艺人，是几百年来壶艺和精品成就很高的名手。

代表作品：甜瓜壶，原名南瓜壶。主要成就：所制茶具、雅玩，精美绝伦。制壶技艺精湛全面，又勇于开拓创新。他仿制的爵、觚、鼎等古彝器，工艺精，品位高，古趣盎然。所制茗壶造型多种多样，特别善于自然型类砂壶的制作，作品有瓜形壶、莲子壶、束柴三友壶、松段壶、梅干壶、蚕桑壶等均极具自然生趣，把自然型壶在明人的基础上，进一步推向艺术化的高度。这些壶式不仅是他的杰出创造，而且成为砂壶工艺上的历史性造型，为后来的制壶家们广泛沿用。

他多才多艺，还制作了许多案头陈设的`清供雅玩和文房用具，像生的菱角、扁豆、花生、玉蜀黍、鶿菇、栗子、藕片作品、荸荠、核桃、白果等等，无不精妙，把果蔬的自然生态，表现的淋漓尽致，惟妙惟肖，再配以契合果蔬肌理的泥色，给人以活生生鲜灵灵的审美感受，令人拍案叫绝。

传世鸣远作品除仿古诸器外，著名的有：甜瓜壶，原名南瓜壶，是鸣远的一件代表作，壶身镌有“仿得东陵式，盛来雪孔香”诗句，刻款楷书“鸣远”，钤“陈鸣远”阳文篆书方印，今藏南京博物院。四足壶，壶身铭“且饮且读,不过满腹”，今藏上海博物馆。旋涡纹瓜形壶，今藏香港茶具文物馆。莲子壶，壶身铭“资尔清德，烦暑咸涤，君子友之，以永朝夕。”今藏苏州市文物商店。松段壶，今藏宜兴陶瓷陈列馆。调杀蚕桑壶，今藏香港中文大学文物馆。还有笋型水盂，也是鸣远的代表作品，今藏南京博物院。其他还有一批清供雅玩，由国内外文搏机构及私家收藏。

他还开创了壶体镌刻诗铭作装饰，署款以刻名和印章并用，把中国陈鸣远作品传统绘画书法的装饰艺术和书款方式，引入了砂壶的制作工艺，使原来光素无华的壶体增添了许多隽永的装饰情趣，也使砂壶更具有了浓厚的书卷气，再加之诗铭、书款的书法雅健娟秀，富有晋唐笔意，从而把壶艺、品茗和文人的风雅情致融为一体，极大的提高了砂壶的艺术价值和文化价值，成为真正的艺术品进入了艺术殿堂，这是陈鸣远在壶艺发展史上建立的卓越功勋。

杨凤年-清代陶艺家

清嘉庆年间制壶名艺人，荆溪人，一说浙江桐乡人，杨彭年之妹。构思巧妙，浮雕精美，可与其兄媲美，是历来公认最有名望的制砂壶女艺人，传世作品较多，所制《风卷葵壶》造型典雅，制作工巧，用名贵的天青泥制成，紫檀色中微泛蓝，精美内含，温润如玉。《竹段壶》呈紫色，沉着稳重，壶体为毛竹段形，嘴、盖、把，均以竹枝、竹叶装饰，比例匀称，疏密合度，工艺精巧，为壶中佳品，现藏于宜兴陶瓷博物馆。

翟英韶-清代陶艺家

（约字子治，初号“月壶”后又改为翟甫，又号老冶、升春。喜紫砂艺术，尝自制，号壶工。有请邓奎到宜兴监造，其精者，则自制铭文，或绘刻梅竹，时人称为“三绝壶”。

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教学目标

引导学生体验水墨画的韵味和审美情趣，从中感受中国传统文化的魅力，认识美术的文化性与历史继承性。

教学重点：指导学生掌握材料和水分的关系，调动学生主动性，放开手脚，大胆创意，表达自己的感受。

教学难点：引导学生对水墨画的韵味的理解和感受，并表现在自己的画上。

范画数张，生宣纸数张，毛笔，笔洗，画毯，中国画颜料等。

1．学生体验：

(2)让学生动手用墨和水在宣纸和图画纸上随教案频道 /意涂画，然后看看有什么不同？

(3)教师展示范画并提出问题：这些画是用什么材料画的?有什么特点?学生分组讨论，教师总结：这些作品是利用水和墨在宣纸上的冲化、融渗产生的浓淡变化，通过墨与彩的泼洒、点染、堆积形成墨、色、水相互辉映的效果。这种效果妙在似与不似之间，令人回味无穷，这就是水墨画的韵味。

学生讨论，教师总结：水墨画，顾名思义，就是用中国传统的绘画工具，按照中国人的审美习惯而画出来的画。中国的国画有着悠久的历史和优良的传统，在世界美术领域中自成体系，独树一帜。它是我国传统文化的重要组成部分，是中华民族的宝贵财富。所以我们要继承传统文化，使它不断发展。

（2）你理解水墨画的韵味吗？

出示作品，学生讨论发言，教师总结：这种墨与色相互交融形成的神奇效果，令我们回味无穷，遐想翩翩。其特点在于似与不似之间，水、墨、色交融变化，颇耐人寻味，这就是中国画特有的审美标准之一“韵味”，有“韵”才美，无“韵”是不美的。

（3）你知道这种韵味是怎样形成的吗？

教师示范：浓破淡、淡破浓、色破墨、墨破色，用墨和彩点染，堆积、泼洒能形成相互辉映的效果。学生有了动手的欲望，急于想体验一下。教师因势利导。

3．学生实践：

教师布置作业，自己动手创作一到两幅水墨作品，用笔要大胆，注意墨与彩的浓淡，以及水分干湿的把握。学生作画，教师巡视，及时指导遇到的情况。

4．作品评价：

提出评价标准：用笔大胆，水、墨、色相互辉映，墨与彩的浓淡以及水分的`把握要恰到好处。画面要体现出变化莫测的韵味。

5．小结：这节课通过同学们的动手创作，使大家对水教案频道 /墨画的韵味有了很深的了解和体验，

好多同学的作品都不错，希望大家课后去练习，尝试用不同的方法去表现，看看效果怎样？

札记：本课的设计，强调学生的实践性和趣味性，充分调动学生积极性，使学生亲身体验水墨画的独特韵味，充分发挥各自的想象，做到因势利导、人尽其才。对水墨画的体验，使学生体会到中国文化的独特魅力，从而起到培养学生的爱国热情。

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不知每个人对职业穿着是否有偏好，我认识的T先生对此已经执着到了近乎严苛的地步。

刚过30岁的T先生是个在圈里小有名气的画家，对国画和水粉画有些研究，经常给杂志、报社、出版社等供稿，偶尔会在某个小资餐厅的旁边开个小型画展，附庸风雅一番的同时，还能得到物质上的收获——被人买走一幅画的收入就够我奋斗一年的了。

T先生出身书香门第，自身又从事绘画事业，他总爱称自己为“艺术家”，自己再笑呵呵加一句“好不要脸”。艺术家就要有艺术范儿，于是只要出现在人前，那一身立领、盘扣、对襟的唐装就是他的标志性穿着，一年四季，冬去秋来，经久不变。还记得由于工作关系第一次被邀请参加T先生画展是在某年三九严冬，画展开在一家咖啡店的地下室，地下室没有空调。我们几个羽绒服加身都集体冻得牙齿打架，全程瑟缩着脖子把画展看完，临到门口看见T先生，一件白色亚麻料的立领、盘扣、对襟的唐装就把他罩住了，笑得春风拂面。冷不冷不知道，艺术范儿的话，你别说，还真有！

当然，T先生也有被制住的时候，比如他交了一个不喜中国风的年轻女朋友L小姐。交了女朋友的T先生像是换了个人，原本清爽的头发做了个韩国欧巴发型，连标志性的唐装也不穿了，改穿衬衫西裤，俨然韩剧里长腿男主角跳出了电视框。不仅如此，从坐姿到饭量、从谈吐方式到说话内容，L小姐把年过30的T先生硬是“教导”成了一个小鲜肉模样。面对这样一个改头换面的T先生，不仅我们惊得下巴掉地，T先生也苦嘲自己没了艺术家的感觉：范儿没了，画画的灵感也跟着没了。

T先生说，他穿唐装画画就特别有感觉，觉得自己像那么回事，灵感如泉涌。没有了灵感的T先生，就像没有了养分的植物，苦恼得要命，于是过了初时甜蜜的妥协期，T先生开始冥思苦想如何使理想与爱情和平共处。

L小姐喜欢花，T先生决定在送真花的同时，每周以水粉或水墨风格再画一幅花连带一起送给L小姐，玫瑰、百合、蔷薇、雏菊……一幅幅惟妙惟肖。鲜花易谢，T先生的画却可以长久保存，L小姐显然越来越爱不释手。T先生第二步培养L小姐的中国元素兴趣，约会除了吃饭看电影，还会带她去参加一些国学活动，就连吃饭和电影，T先生也尽量挑一些含有中国风的。第三步展开丈母娘攻势，当丈母娘觉得他穿唐装比电视里清一色的韩氏造型更好看时，T先生便有了一个强大的盟友……

功夫不负有心人，T先生在三个月后，终于如愿穿回了那立领、盘扣、对襟的唐装，艺术家又有了他想要的范儿。更让人惊讶的是，半年后T先生的婚礼上，不仅他从头到尾穿了唐装，就连新娘L小姐，也配了一件相同风格的！

我想，这也是艺术家执着劲的一种体现吧。

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与成交量、成交总额及单品价位上，仍有一定的差距。从李青、崔景哲、陈飞幽默的艺术语言表现其对社会、生活中的现象及感受。现仍就读于中国美术学院的李青，其作品被EGG画廊代理，并在2006年4月19日进入二级市场。作品《北京奥运会钉子形主火炬设计效果图》在2010年8月15日以112万元的高价成交，位居艺术家个人作品拍卖首位。出生于1980年的崔景哲以工笔画创作为主，其作品于2012年6月跨入百万元梯队，创作于2008年的《火红的日子》在北京保利以高出估价3倍的价格——126.50万元成交，在艺术家高价拍品TOP20中位居第19位。

这批创作状态、市场运作等因素的持续性，这些都会影响到其作品的未来市场价值空间。为此，收藏此类作品，判断这类艺术家的长期发展能力更为重要。一则可以从参展或获奖情况考量这类艺术家已经取得的学术认同，二则可以从其代理画廊和当下创作状态中考量未来发展的延续能力。

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亲爱的艺术家，

我们怀着无比的兴奋和欣喜，诚挚地邀请您参加我们即将举办的艺术展览。这是一次极为重要的展览，将在城市最繁华的艺术中心举行，届时将有来自世界各地的艺术家和观众共同见证这场绚丽多彩的盛会。

作为这座城市最受瞩目的艺术展览，我们希望能邀请到来自不同艺术领域的优秀艺术家，带来您的作品，并与我们一同分享您的创作灵感和艺术观点。我们坚信，只有通过不同领域的艺术家汇聚在一起，才能激发出无限的创意火花和艺术魅力。

在此次展览中，我们将给予每一位艺术家足够的自由空间来展示您的作品。我们热切期待着能看到您的创造力在这个展览中得到完全的发挥。无论是绘画、雕塑、摄影还是装置艺术，我们相信您的作品将在此次展览中独放异彩。

除了展示作品，我们还将组织一系列艺术交流活动。我们为您提供了丰富的交流平台，让您与其他艺术家深入探讨艺术创作的无限可能性。此外，我们还将邀请艺术评论家和收藏家参与展览，为您提供更多的展示机会和潜在的商业交易。我们相信，通过这些交流与合作，艺术家们能够共同进步，找到更多的创作灵感和发展机遇。

此次展览将持续一个月，期间我们将安排专门的导览和讲座活动，让观众更深入地了解艺术家的创作背后的故事与意义。我们鼓励艺术家亲自参与这些讲座活动，与观众进行直接互动，分享您的艺术理念和创作技巧，让观众更好地理解您的作品。

在展览结束后，我们将会组织一场盛大的闭幕式，届时我们将公布并颁发“最佳艺术家奖”。此奖项将由一位知名艺术评论家和收藏家组成的评审团共同评选出最具创意与表现力的作品，以表彰和鼓励艺术家们的努力与成就。

最后，请尽快回复我们的邀请并确认您能够参加此次展览。我们将为每位艺术家提供展示作品所需的一切支持和资源，并负责作品的搬运与保护。同时，我们还愿意为您提供充足的展览时间和宣传推广，以确保您的作品能够广泛地为观众所知晓。

非常感谢您对本次艺术展览的支持和参与，我们期待着与您在展览现场的相遇，并相信这将是一个让人难以忘怀的艺术盛会。

最诚挚的问候，

艺术展览组委会

P.S. 鉴于展览的高度重视，我们希望您能尽快回复我们的邀请，并告知您所需的任何特殊支持和安排，以便我们提前准备。谢谢！

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叶圣陶的语言是简练而感人的，他以用恰当的词语表述自己的能力而出名。叶圣陶在他的报道中强调感觉与情感。人物在叶圣陶的笔下鲜明活泼，他深深地洞察到人物的内心世界。知名作家赵景深盛赞叶圣陶是写作界的异数，拥有着杰出且惊人的才能。他的优美文章持久而韵美的留存于世。他表达的情感和感觉构筑了真相与现实的基础，也使他的文章充满无穷的力量。“情感如同忽明忽暗的灯火，但是记述却因为这灯火而引人注目。”叶圣陶说。这段谈话一定程度上体现了叶圣陶不仅是一位善于讲述故事的人，他更是一位艺术家。叶圣陶的现实主义写作形式成为许多作家效仿的对象。他承认阅读一些西方小说家的作品，对他的写作助益良多，“如果我没有阅读英文，如果我没有接触英文读物，我就不会写作小说.。”他的作品是反思与思辨的。这些不仅依靠感知，而且依靠切实而客观的观察。叶圣陶不仅是一位作家，而且是一名新闻记者。对现实的观察成为了他写作的源泉，为中国现代文学开创了一片新天地。

他这一生大多数作品都是为孩子创作的，如《稻草人》《旅行家》《小白船》《古代英雄的石像》《一粒种子》《皇帝的新衣》《玫瑰和金鱼》《月亮姑娘的亲事》《含羞草》《快乐的人》《芳儿的梦》等等。

今天，我有幸得到了采访这位艺术家的机会。

他的作品非常贴近生活且易懂，于是我问道：“您为什么喜欢写关于生活，关于社会的文章？”

叶圣陶告诉我：“在记忆中，我似乎从来没有撰述过自己有些模糊或者不甚清楚的知识。换句话说，我不能写那些只是通过想象得来的东西，但我也没有失掉想象力。我生活在城市里，乡镇和农村，我写在那些地方观察到的事物。作为一名老师，我了解一些教育圈的生活，我也记录下来。在一些相当基础和浅显的层面，我关注着中国革命逐渐的发展，同时，我也记录下这些事情。

“我认为文章是为读者而作的，同时我把文章看作是读者与作者交流的工具。作家们面临的一个巨大问题是他们不是拥有优秀写作技巧的素养。他们的表达是不准确且意义模糊的。只有受过良好教育的人才能够欣赏他们的文章。作者不注意实用的重要性。因此，文学作品难于被普通大众接受。我认为一个人只有把文章写得实际且易于理解，我才能够去只写一些风雅作品。如果读者不理解文章内容，文章就毫无用处。”

“那么，你写作的灵感又来自于哪儿呢？”我忍不住好奇地问。

“我写的作品通常都反映了社会现象，许多知识分子都是被剥削者，是没有反抗能力的社会底层的人。我写的这些文章聚焦于社会底层人民的痛苦生活。”

如今的社会，叶圣陶先生已经离开这个世界27年了，但他的信念，他的作品却还在一直流传，现在是，将来也会是。

叶圣陶发现新中国的很多人是自私、冷淡、伪善和保守的。人们为了安稳的生活放弃了自己的人生价值。叶圣陶在作品中讽刺了这些人。他表达了自己的不满，希望唤醒人们的知觉并正视这些社会顽疾。叶圣陶不仅写故事，而且报道社会的谬误。他的作品不是用来消遣，而是用认知和对现实的思考来连填充人们的余暇。“……写作的基础是一双有洞察力和善于观察的眼睛，而我的眼睛却不怎么拥有洞察力……当然，没有必要以写作为目的训练而一个人的眼睛，对于眼睛的训练，是为了洞察现实，丰富生活。”